Utopía y desencanto en América
Rafael Rojas triunfa en la primera edición del Premio de Ensayo Isabel Polanco - La obra recuerda a los republicanos que hace 200 años forjaron el continente
PABLO ORDAZ - Guadalajara - 10/10/2009
Había días, sobre todo al final de su vida, que Simón Bolívar se levantaba con el pie cambiado. El libertador acuñaba entonces frases de desaliento tan rotundas como aquella tan famosa que equiparaba el trabajo de construir repúblicas en Hispanoamérica con el de "arar en el mar". El historiador Rafael Rojas (Santa Clara, Cuba, 1965) pidió prestada a Bolívar una de esas frases para darle título a un ensayo sobre los primeros republicanos de esta orilla del Atlántico. El libro, que ayer se alzó con el primer Premio de Ensayo Isabel de Polanco, se titula Repúblicas de aire. Utopía y desencanto en la Revolución de Hispanoamérica. El galardón recuerda a la consejera delegada del grupo Santillana, que murió en 2008, e hija del fundador del Grupo PRISA, Jesús de Polanco, fallecido en 2007. La distinción, dotada con 100.000 dólares, se entregará en la próxima Feria del Libro de Guadalajara (México).
"Con ellos muestro el inicio de la literatura moderna hispanoamericana"
"Aquellos constitucionalistas como Bolívar eran grandes prosistas"
"El panfleto de la época es vital para formar a los ciudadanos"
Rafael Rojas, en conversación telefónica con este periódico, explicaba ayer de qué forma el título refleja el espíritu del libro: "Aquellos primeros republicanos viajaban continuamente de la utopía al desencanto. Tenían momentos de redentoristas, de imaginar la utopía de repúblicas soberanas y con plenitud de derechos para su ciudadanía, pero al mismo tiempo siempre estaban dudando del éxito de la empresa. Siempre hay un discurso del desencanto o de la frustración en todos ellos. Y ahí está el caso paradigmático de Bolívar. Yo hago una recopilación de las principales citas del desencanto de Bolívar y algunas son desoladoras. Hay una que yo tomo para el libro. Es cuando dice: 'Estamos construyendo repúblicas aéreas, repúblicas de aire'. Se refiere a que aquellas constituciones, tan perfectas, no se avienen bien con ciudadanías heterogéneas como las que hay en América Latina".
A primera vista, el ensayo de Rojas podría contemplarse como un estudio muy específico sobre ocho letrados y políticos republicanos de Hispanoamérica, enmarcados en lo que él llama "el momento republicano", que va de 1810 a 1830, el momento de las guerras separatistas en Hispanoamérica. "Pero es también el momento", añade el historiador, "de la difusión del liberalismo gaditano y del diseño de las primeras constituciones republicanas en Hispanoamérica. El libro hace un recorrido a través de ocho figuras enmarcadas en ese proceso. Son dos caraqueños, Simón Bolívar y Andrés Bello, y dos representantes del mundo andino, el peruano Manuel Lorenzo de Vidaurre y el guayaquileño Vicente Rocafuerte. Hay también dos mexicanos -aunque yo en el libro cuestiono si podemos hablar en aquellos años de mexicanos, peruanos...-, uno es Lorenzo de Zavala y el otro Fray Servando Teresa de Mier. Y finalmente están presentes dos cubanos, José María Heredia y Félix Varela. Estos ocho republicanos me permiten a mí reconstruir el mundo de las ideas, de los debates constitucionales y también de la fundación de la literatura moderna hispanoamericana, porque no sólo en ese grupo hay constitucionalistas como Bolívar o Mier, sino que están algunos de los escritores más importantes de esa generación como José María Heredia, que es el poeta romántico por antonomasia de esta generación -el autor del Himno del Desterrado- y Andrés Bello, que es el gran crítico literario de aquella época. Lo que intento a través de estos personajes es reconstruir las ideas políticas pero también la fundación de la literatura".
-¿La literatura y la política van muy unidas en esa época?
-Muy, muy unidas. Porque, además, la literatura política se constituye en un género fundamental en aquellas épocas. Los tratadistas o los constitucionalistas como Bolívar eran grandes escritores, grandes prosistas y casi todos esos escritores se mueven muchas veces entre el tratado político y el panfleto, que es un género muy importante de la literatura política de aquellas primeras décadas republicanas. Porque en aquel momento se están constituyendo las esferas públicas modernas, la libertad de imprenta decretada por las Cortes de Cádiz se extiende a todos los países latinoamericano. Y el panfleto se constituye en un género vital en la lucha política parlamentaria, pero también es un método de persuasión que utilizan casi todas las corrientes políticas. Se pueden encontrar panfletos ilustrados y anticlericales, pero también panfletos defensores de la Inquisición y otros que atacan a la masonería. Pero además tienen otra función no menos importante: formar a la ciudadanía. El panfleto es una forma de la prosa accesible a la mayor parte de la población alfabetizada de la región.
-¿Hasta qué punto aquellos primeros republicanos no estaban contaminados de la impronta o de los vicios que querían combatir?
-Sí, yo creo que hubo mucho fernandismo. De hecho, hubo en algunos casos como el del propio Lorenzo de Zavala que derivan del fernandismo a una defensa del imperio de Iturbide. Que defienden la forma monárquica de gobierno hasta 1822, o sea, hasta bastante tarde. Y luego está también el problema de las formas autoritarias que empiezan a diseñarse en aquel primer republicanismo y que podemos asociar claramente con el proyecto de la Constitución de Bolivia, que redacta Bolívar. En ese proyecto de Constitución, Bolívar recomienda la presidencia vitalicia, que es una institución que él toma como modelo de la Constitución haitiana para promover repúblicas centralizadas y presidencialistas en Hispanoamérica. Y hay muchos historiadores que han visto una filtración del monarquismo en ese nuevo republicanismo bolivariano.
Memoria viva
- La isla. Nacido en Santa Clara (Cuba) en 1965, Rafael Rojas estudió filosofía en la Universidad de La Habana. Vive exiliado en México desde 1991, pero toda su obra sigue ligada al pasado, presente y futuro de la isla caribeña.
- Trayectoria. Profesor del Centro de Investigación y Docencia Económica (CIDE) de México, el ensayista lleva años embarcado en desentrañar los conflictos de la memoria de Hispanoamérica. Esa labor es la que le ha otorgado el reconocimiento de la intelectualidad latinoamericana.
- Obra publicada. Codirector de la revista Encuentro de la Cultura Cubana, Rojas ha publicado El arte de la espera. Notas al margen de la política cubana (1998), Un banquete canónico (2000), La política del adiós (2003) y La escritura de la independencia (2003). Su última obra publicada en España es El estante vacío (Anagrama).
- Legado intelectual. Recibió el Premio Matías Romero por Cuba Mexicana. Historia de una anexión imposible (2001) y el Anagrama de Ensayo por Tumbas sin sosiego, cuyo título alude a la sensación de "cementerio" de una cultura tras la desaparición de sus clásicos: José Lezama Lima, Virgilio Piñera, Alejo Carpentier, Nicolás Guillén, Reynaldo Arenas, Severo Sarduy o Guillermo Cabrera Infante.
- Premio Isabel de Polanco. La Feria del Libro de Guadalajara, en colaboración con la Fundación Santillana, crean en 2008 el Premio de Ensayo Isabel de Polanco, que en su primera edición recae en el trabajo de Rojas Repúblicas de aire.
Fuente El Oais
sábado, 10 de octubre de 2009
viernes, 9 de octubre de 2009
da série " O que é isso afinal???" (2)
La fortaleza con que Fréderic Mitterrand ha defendido a Roman Polanski ha puesto en alerta al Frente Nacional. Marine Le Pen, hija del patriarca ultraderechista, acusa al ministro de Cultura de pederasta y degenerado. No sólo por la manera con que protege "al violador de una menor", en alusión al cineasta franco-polaco. También porque le reprocha haber escrito un libro donde airea sus aventuras de turismo sexual y narra sus devaneos con chaperos asiáticos menores de edad en el trópico.
El memorial en cuestión se titula 'La mala vida' y fue redactado en 2005, aunque no se trata estrictamente de una autobiografía. Mitterrand, sobrinísimo del difunto presidente, dice manejarse entre la ficción y la realidad. Por ejemplo cuando habla de la "enorme excitación" que le procuraba el mercadeo de prostitutos y el "estado de deseo" que le despertaba acceder a los jóvenes a su antojo.
Marine Le Pen se ha ocupado de desempolvar los párrafos incendiarios al hilo del 'caso Polanski'. Podría haberse tratado de un episodio anecdótico entre los "frontistas" y Mitterand, pero el asunto comienza a adquirir un aspecto inquietante. Hasta el extremo de que el ministro de Educación, Xavier Darcos, sostenía este jueves que su colega en Cultura está obligado a explicarse y a desmarcarse de sus escritos.
"No se trata de un problema legal, sino de un problema moral. No hay un juez que persiga a Mitterrand, pero sería bueno que elaborara una respuesta más allá de la simple indignación", señalaba Darcos.
El Elíseo se había solidarizado con el sobrino de 'La esfinge' mediante el consejero áureo de Sarkozy, Claude Guéant, mientras que las huestes socialistas se adhieren poco a poco a la idea de exigir el cese.
"La cuestión es saber ahora si Mitterrand debe o no debe dimitir", decía Benoît Hamon en calidad de portavoz del PS. Subrayando implícitamente el punto de vista más contundente del camarada Jean-Paul Huchon: "Es difícil aceptar la idea de que un Gobierno aloje en sus filas a un ministro que ha incurrido en delitos que el propio Ejecutivo persigue
Fuente El Mundo.es
El memorial en cuestión se titula 'La mala vida' y fue redactado en 2005, aunque no se trata estrictamente de una autobiografía. Mitterrand, sobrinísimo del difunto presidente, dice manejarse entre la ficción y la realidad. Por ejemplo cuando habla de la "enorme excitación" que le procuraba el mercadeo de prostitutos y el "estado de deseo" que le despertaba acceder a los jóvenes a su antojo.
Marine Le Pen se ha ocupado de desempolvar los párrafos incendiarios al hilo del 'caso Polanski'. Podría haberse tratado de un episodio anecdótico entre los "frontistas" y Mitterand, pero el asunto comienza a adquirir un aspecto inquietante. Hasta el extremo de que el ministro de Educación, Xavier Darcos, sostenía este jueves que su colega en Cultura está obligado a explicarse y a desmarcarse de sus escritos.
"No se trata de un problema legal, sino de un problema moral. No hay un juez que persiga a Mitterrand, pero sería bueno que elaborara una respuesta más allá de la simple indignación", señalaba Darcos.
El Elíseo se había solidarizado con el sobrino de 'La esfinge' mediante el consejero áureo de Sarkozy, Claude Guéant, mientras que las huestes socialistas se adhieren poco a poco a la idea de exigir el cese.
"La cuestión es saber ahora si Mitterrand debe o no debe dimitir", decía Benoît Hamon en calidad de portavoz del PS. Subrayando implícitamente el punto de vista más contundente del camarada Jean-Paul Huchon: "Es difícil aceptar la idea de que un Gobierno aloje en sus filas a un ministro que ha incurrido en delitos que el propio Ejecutivo persigue
Fuente El Mundo.es
jueves, 8 de octubre de 2009
E entao???
Arqueólogo egípcio defende ruptura com o museu do Louvre
Controvérsia começou há oito meses, quando museu parisiense se recusou a devolver pedaços de uma tumba
AE-AP
CAIRO - A decisão do Egito de romper os laços com o museu do Louvre não teve ligação com o fato de o ministro da Cultura do país não ter sido escolhido para o cargo de secretário-geral da Unesco. A afirmação foi feita por Zahi Hawass, integrante do Conselho Supremo de Antiguidades. Segundo ele, a controvérsia com o Louvre começou oito meses atrás, quando o museu parisiense se recusou a devolver pedaços pintados de uma tumba de 3.200 anos retirados das proximidades de um antigo templo da cidade de Luxor.
Controvérsia começou há oito meses, quando museu parisiense se recusou a devolver pedaços de uma tumba
AE-AP
CAIRO - A decisão do Egito de romper os laços com o museu do Louvre não teve ligação com o fato de o ministro da Cultura do país não ter sido escolhido para o cargo de secretário-geral da Unesco. A afirmação foi feita por Zahi Hawass, integrante do Conselho Supremo de Antiguidades. Segundo ele, a controvérsia com o Louvre começou oito meses atrás, quando o museu parisiense se recusou a devolver pedaços pintados de uma tumba de 3.200 anos retirados das proximidades de um antigo templo da cidade de Luxor.
Loucura ou ciúme?? Nervos de aço
PS Governador José Serra, onde o senhor diz que SEMPRE troca, muitos também o fazem....diz-nos o mestre Paulinho da Viola. Tranquilo,pois!
S.f.f.?
Eu diria ao ministro que foi bom o que aconteceu, porque não apenas nós, mas toda a sociedade se tornou consciente da grande importância que tem a música popular brasileira para todos.O Spyro Gyro, ficamos ssim a saber é um plancton que vive na água. Agora alguém me diz o que é um plancton s.f.f.?
miércoles, 7 de octubre de 2009
Prostituição Infantil
65% das meninas que se prostituem usam dinheiro em bens de consumo
Celular é o produto mais cobiçado; boa parte também admite que emprega dinheiro na compra de drogas
Fernanda Aranda
Pesquisa pioneira no País sobre o perfil de crianças e adolescentes vítimas de exploração sexual mostra que 65% usam o dinheiro recebido em troca de sexo para comprar objetos como celular, tênis ou blusa da moda. Três em cada dez assumiram vender o corpo para sustentar o vício das drogas. O valor médio recebido pelas relações é de R$ 37, mas há relatos de programas que custaram R$ 10.
Os resultados foram apresentados ontem pelo Instituto WCF-Brasil (Childhood), entidade internacional que atua no combate à exploração infantil. Foram acompanhados por psicólogos especializados em violência 66 meninas e 3 meninos de 10 a 17 anos, atendidos por instituições especializadas.
"O trabalho mostrou, diferentemente do que se imagina, que elas não são meninas em situação de miséria absoluta, a ponto de trocar sexo por comida", diz o coordenador do estudo e psicólogo da Universidade Federal de Sergipe Elder Cerqueira-Santos. "O que mais apareceu como motivação foram bens de consumo." Essa situação foi encontrada nos oito Estados pesquisados (Pará, Sergipe, Rio Grande do Norte, Piauí, Bahia, São Paulo, Mato Grosso e Rio Grande do Sul).
"Vivemos hoje uma situação de marketing infantil violento", avalia a coordenadora da Associação Nacional dos Centros de Defesa da Criança e do Adolescente, Fernanda Lavarello. "Todos são atingidos por esse fenômeno; quem tem ou não condições financeiras de comprar. O que muda é a estratégia para consumir."
A frase "sem um celular você não é ninguém", dita por uma das garotas, resume um dos principais problemas provocados pela troca de sexo por bens de consumo. Os especialistas avaliam que nem a sociedade nem as meninas notam que ocupam o papel de vítimas na exploração. "Fizemos uma pesquisa com caminhoneiros brasileiros e os que admitiram (37%) já terem sido clientes de menores de idade mantiveram esse discurso", ressalta Anna Flora Werneck, coordenadora de projetos da Childhood. "Não acham essas meninas coitadinhas - e sim responsáveis por aquela situação", completou o psicólogo Cerqueira-Santos.
Outro dado que compõe o quadro da exploração, e também contribui para que as garotas sejam responsabilizadas, é o uso de substâncias químicas. Os índices de uso entre as garotas acompanhadas pelos pesquisadores foram mais altos do que os padrões de consumo da população na mesma faixa etária. Entre as exploradas, 88% relataram usar álcool e 36% maconha - em meninas de mesma idade, o porcentual é de 4%, segundo a Universidade Federal de São Paulo (Unifesp).
Vulneráveis pela dependência química e culpadas por vender o corpo, as meninas fomentam o ciclo de abuso infantil que está espalhado por 1.819 pontos de risco, já mapeados pela Polícia Rodoviária Federal, apenas nas estradas brasileiras.
Fonte Estado de Sao Paulo
Celular é o produto mais cobiçado; boa parte também admite que emprega dinheiro na compra de drogas
Fernanda Aranda
Pesquisa pioneira no País sobre o perfil de crianças e adolescentes vítimas de exploração sexual mostra que 65% usam o dinheiro recebido em troca de sexo para comprar objetos como celular, tênis ou blusa da moda. Três em cada dez assumiram vender o corpo para sustentar o vício das drogas. O valor médio recebido pelas relações é de R$ 37, mas há relatos de programas que custaram R$ 10.
Os resultados foram apresentados ontem pelo Instituto WCF-Brasil (Childhood), entidade internacional que atua no combate à exploração infantil. Foram acompanhados por psicólogos especializados em violência 66 meninas e 3 meninos de 10 a 17 anos, atendidos por instituições especializadas.
"O trabalho mostrou, diferentemente do que se imagina, que elas não são meninas em situação de miséria absoluta, a ponto de trocar sexo por comida", diz o coordenador do estudo e psicólogo da Universidade Federal de Sergipe Elder Cerqueira-Santos. "O que mais apareceu como motivação foram bens de consumo." Essa situação foi encontrada nos oito Estados pesquisados (Pará, Sergipe, Rio Grande do Norte, Piauí, Bahia, São Paulo, Mato Grosso e Rio Grande do Sul).
"Vivemos hoje uma situação de marketing infantil violento", avalia a coordenadora da Associação Nacional dos Centros de Defesa da Criança e do Adolescente, Fernanda Lavarello. "Todos são atingidos por esse fenômeno; quem tem ou não condições financeiras de comprar. O que muda é a estratégia para consumir."
A frase "sem um celular você não é ninguém", dita por uma das garotas, resume um dos principais problemas provocados pela troca de sexo por bens de consumo. Os especialistas avaliam que nem a sociedade nem as meninas notam que ocupam o papel de vítimas na exploração. "Fizemos uma pesquisa com caminhoneiros brasileiros e os que admitiram (37%) já terem sido clientes de menores de idade mantiveram esse discurso", ressalta Anna Flora Werneck, coordenadora de projetos da Childhood. "Não acham essas meninas coitadinhas - e sim responsáveis por aquela situação", completou o psicólogo Cerqueira-Santos.
Outro dado que compõe o quadro da exploração, e também contribui para que as garotas sejam responsabilizadas, é o uso de substâncias químicas. Os índices de uso entre as garotas acompanhadas pelos pesquisadores foram mais altos do que os padrões de consumo da população na mesma faixa etária. Entre as exploradas, 88% relataram usar álcool e 36% maconha - em meninas de mesma idade, o porcentual é de 4%, segundo a Universidade Federal de São Paulo (Unifesp).
Vulneráveis pela dependência química e culpadas por vender o corpo, as meninas fomentam o ciclo de abuso infantil que está espalhado por 1.819 pontos de risco, já mapeados pela Polícia Rodoviária Federal, apenas nas estradas brasileiras.
Fonte Estado de Sao Paulo
Calderón de la Barca y Madrid
Calderón se sube al altar de Los Jerónimos de la mano de la compañía Delabarca
PATRICIA ORTEGA DOLZ - Madrid - 07/10/2009
Nuria Alkorta estaba ayer corrigiendo las posiciones en el altar. "¡Más aire!", gritaba desde un banco de la primera fila del templo, ejerciendo hasta la exasperación su función de directora durante el último ensayo. Sobre el escenario, un elenco de 13 actores, declamaba y cantaban los versos de El año santo en Madrid, una de las obras de Pedro Calderón de la Barca (Madrid, 1600- 1681) que pertenecen al repertorio más olvidado de Calderón. Cada uno de los actores representa un concepto moral, entre los que se encuentran, por supuesto, los siete pecados capitales. Ahí, en carne y hueso, sobre el retablo de esta iglesia-monasterio que los Reyes Católicos mandaron construir en el siglo XV, tientan a El Hombre: un peregrino convertido en cortesano, que se debate entre las seducciones de la Corte y su dignidad moral.
"Con la puesta en escena de este auto sacramental se recupera una parte del amplio repertorio calderoniano en el que la ciudad de Madrid, sus gentes, sus calles, su música y sus danzas adquieren un protagonismo especial, hasta erigirse en un auténtico monumento a la villa y corte", explica Alkorta, fundadora de la compañía Delabarca, junto a Pablo Jiménez Díaz y Rubén Agote Eguizábal, que se han especializado en la recuperación, estudio y difusión del teatro de Pedro Calderón de la Barca y de su obra, así como de dramaturgos nacionales o extranjeros afines al arte y pensamiento del conocido como "monstruo de los ingenios".
Calderón fue militar, escritor, poeta, dramaturgo y sacerdote (al final de su vida), y hoy es considerado uno de los grandes escritores de la literatura europea y, por supuesto, uno de los grandes literatos madrileños, que refleja la ciudad en sus comedias y autos sacramentales. Su primera comedia, Amor, honor y poder, fue estrenada en Madrid con motivo de la visita del príncipe de Gales, en 1623. Desde 1625, Calderón proveyó a la Corte de un extenso repertorio dramático. Con la comedia La dama duende alcanzó su primer gran éxito y poco a poco fue ganándose el aprecio del rey Felipe IV, aunque los moralistas de la época no le veían con tan buenos ojos por las cuestiones que planteaba en sus obras.
Esta función, donde todos los pecados posibles tienen su sitio en el altar, va además acompañada de seis músicos que tocan instrumentos barrocos: flauta de pico, violín, vihuela (guitarra), órgano, tiorba (como un laúd) y percusión, que el templo ensalza por su magnífica acústica. "¡El texto adelante!", gritaba Alkorta a los actores que, por supuesto, dicen sus réplicas valiéndose de su propio instrumento: su voz.
Ayer, ya no quedaban sitios en los bancos de la iglesia. Pero para hoy y mañana pueden reservarse por Internet (www.delabarca.com).
El año santo en Madrid de Calderón. Iglesia de Los Jerónimos. 20.00. Entrada libre.
Fuente El Pais
PATRICIA ORTEGA DOLZ - Madrid - 07/10/2009
Nuria Alkorta estaba ayer corrigiendo las posiciones en el altar. "¡Más aire!", gritaba desde un banco de la primera fila del templo, ejerciendo hasta la exasperación su función de directora durante el último ensayo. Sobre el escenario, un elenco de 13 actores, declamaba y cantaban los versos de El año santo en Madrid, una de las obras de Pedro Calderón de la Barca (Madrid, 1600- 1681) que pertenecen al repertorio más olvidado de Calderón. Cada uno de los actores representa un concepto moral, entre los que se encuentran, por supuesto, los siete pecados capitales. Ahí, en carne y hueso, sobre el retablo de esta iglesia-monasterio que los Reyes Católicos mandaron construir en el siglo XV, tientan a El Hombre: un peregrino convertido en cortesano, que se debate entre las seducciones de la Corte y su dignidad moral.
"Con la puesta en escena de este auto sacramental se recupera una parte del amplio repertorio calderoniano en el que la ciudad de Madrid, sus gentes, sus calles, su música y sus danzas adquieren un protagonismo especial, hasta erigirse en un auténtico monumento a la villa y corte", explica Alkorta, fundadora de la compañía Delabarca, junto a Pablo Jiménez Díaz y Rubén Agote Eguizábal, que se han especializado en la recuperación, estudio y difusión del teatro de Pedro Calderón de la Barca y de su obra, así como de dramaturgos nacionales o extranjeros afines al arte y pensamiento del conocido como "monstruo de los ingenios".
Calderón fue militar, escritor, poeta, dramaturgo y sacerdote (al final de su vida), y hoy es considerado uno de los grandes escritores de la literatura europea y, por supuesto, uno de los grandes literatos madrileños, que refleja la ciudad en sus comedias y autos sacramentales. Su primera comedia, Amor, honor y poder, fue estrenada en Madrid con motivo de la visita del príncipe de Gales, en 1623. Desde 1625, Calderón proveyó a la Corte de un extenso repertorio dramático. Con la comedia La dama duende alcanzó su primer gran éxito y poco a poco fue ganándose el aprecio del rey Felipe IV, aunque los moralistas de la época no le veían con tan buenos ojos por las cuestiones que planteaba en sus obras.
Esta función, donde todos los pecados posibles tienen su sitio en el altar, va además acompañada de seis músicos que tocan instrumentos barrocos: flauta de pico, violín, vihuela (guitarra), órgano, tiorba (como un laúd) y percusión, que el templo ensalza por su magnífica acústica. "¡El texto adelante!", gritaba Alkorta a los actores que, por supuesto, dicen sus réplicas valiéndose de su propio instrumento: su voz.
Ayer, ya no quedaban sitios en los bancos de la iglesia. Pero para hoy y mañana pueden reservarse por Internet (www.delabarca.com).
El año santo en Madrid de Calderón. Iglesia de Los Jerónimos. 20.00. Entrada libre.
Fuente El Pais
La modernidad
Nuevas propuestas sobre el inicio de la modernidad
Tres exposiciones indagan en los comienzos del arte contemporáneo
ÁNGELES GARCÍA - Madrid - 07/10/2009
La modernidad en el arte se puede entender de muchas maneras. La más extendida señala a Picasso como responsable del comienzo del arte contemporáneo. Pero hay más teorías: el movimiento interpretado por Nijinski, la forma de mirar el retrato o la fusión de la cultura romana en la Italia contemporánea. La Fundación Mapfre ofrece en su sede madrileña (paseo de Recoletos, 23) tres exposiciones con el inicio de la modernidad como punto de unión. Es una triple y original propuesta que enriquece de manera espectacular el otoño artístico. Las tres exposiciones son Ver Italia y morir, Mirar y ser visto (De Tiziano a Picasso. El retrato en la colección del MASP) y La danza de los colores (Nijinski y la abstracción). Las tres se pueden ver hasta el 20 de diciembre.
La muestra más sorprendente de las tres es La danza de los colores, realizada en colaboración con la Kunsthalle de Hamburgo. Creada a propósito de las celebraciones del centenario del nacimiento de los ballets rusos, constituye una de las pocas ocasiones de contemplar la obra plástica de Vaslav Nijinski (1889-1950), la estrella de la compañía creada por Serguéi Diaghilev en 1809. Son 60 obras con el movimiento como protagonista (círculos, espirales, arcos) que se pueden entender como uno de los orígenes de la abstracción. La obra del genial bailarín se contextualiza con piezas firmadas por Sonia Delaunay Alexandra Exter, Vladímir Baranov-Rossiné y Franti�ek Kupka.
Ver Italia y morir es un fascinante recorrido fotográfico y pictórico por los orígenes de la Italia moderna. Comisariada por José Teixeira, presidente del Musée d'Orsay, fotografía y pintura muestran la vida en las primeras fábricas, la revolución de los transportes, los recuerdos de los primeros viajeros. Los daguerrotipos conviven con las ruinas de la civilización antigua.
Y, por último, el retrato. Un total de 33 obras maestras, procedentes de la rica colección del Museu de Arte de São Paulo (MASP) ahonda en este género artístico. El retrato institucional se contrapone con el más puro experimento artístico. Teixeira explica que el objetivo es, en realidad, mostrar una exposición de miradas. De ojos que miran y observan. "Se trata de captar la verdad del otro con la verdad del espectador". Velázquez, Goya, Van Dyck, Franz Hals, Modigliani y Picasso, junto a seis soberbios retratos de Toulouse-Lautrec, son algunos de los escogidos para esta singular exposición.
Fuente El Pais
Tres exposiciones indagan en los comienzos del arte contemporáneo
ÁNGELES GARCÍA - Madrid - 07/10/2009
La modernidad en el arte se puede entender de muchas maneras. La más extendida señala a Picasso como responsable del comienzo del arte contemporáneo. Pero hay más teorías: el movimiento interpretado por Nijinski, la forma de mirar el retrato o la fusión de la cultura romana en la Italia contemporánea. La Fundación Mapfre ofrece en su sede madrileña (paseo de Recoletos, 23) tres exposiciones con el inicio de la modernidad como punto de unión. Es una triple y original propuesta que enriquece de manera espectacular el otoño artístico. Las tres exposiciones son Ver Italia y morir, Mirar y ser visto (De Tiziano a Picasso. El retrato en la colección del MASP) y La danza de los colores (Nijinski y la abstracción). Las tres se pueden ver hasta el 20 de diciembre.
La muestra más sorprendente de las tres es La danza de los colores, realizada en colaboración con la Kunsthalle de Hamburgo. Creada a propósito de las celebraciones del centenario del nacimiento de los ballets rusos, constituye una de las pocas ocasiones de contemplar la obra plástica de Vaslav Nijinski (1889-1950), la estrella de la compañía creada por Serguéi Diaghilev en 1809. Son 60 obras con el movimiento como protagonista (círculos, espirales, arcos) que se pueden entender como uno de los orígenes de la abstracción. La obra del genial bailarín se contextualiza con piezas firmadas por Sonia Delaunay Alexandra Exter, Vladímir Baranov-Rossiné y Franti�ek Kupka.
Ver Italia y morir es un fascinante recorrido fotográfico y pictórico por los orígenes de la Italia moderna. Comisariada por José Teixeira, presidente del Musée d'Orsay, fotografía y pintura muestran la vida en las primeras fábricas, la revolución de los transportes, los recuerdos de los primeros viajeros. Los daguerrotipos conviven con las ruinas de la civilización antigua.
Y, por último, el retrato. Un total de 33 obras maestras, procedentes de la rica colección del Museu de Arte de São Paulo (MASP) ahonda en este género artístico. El retrato institucional se contrapone con el más puro experimento artístico. Teixeira explica que el objetivo es, en realidad, mostrar una exposición de miradas. De ojos que miran y observan. "Se trata de captar la verdad del otro con la verdad del espectador". Velázquez, Goya, Van Dyck, Franz Hals, Modigliani y Picasso, junto a seis soberbios retratos de Toulouse-Lautrec, son algunos de los escogidos para esta singular exposición.
Fuente El Pais
martes, 6 de octubre de 2009
O que é que é isso,afinal?
SOROCABA - Integrantes do Movimento dos Sem-Terra (MST) são acusados de saquear a fazenda Santo Henrique, do grupo Cutrale, invadida desde o dia 28 de setembro em Borebi, na região de Bauru, a 320 km de São Paulo.
Um caminhão-baú transportando 12 caixas de laranja a granel, máquinas, ferramentas e uniformes subtraídos da fazenda foi apreendido na madrugada desta terça-feira, 6, no km 248 da rodovia Castelo Branco, em Avaré. Os dois acusados, José Alves de Lima Neto, de 52 anos, e Ivanildo Cosmo de Oliveira, de 49, contaram ao delegado José Cardoso de Oliveira que pegaram as frutas porque iam apodrecer. Eles foram presos em flagrante por furto qualificado.
Na fazenda, onde 350 militantes permanecem acampados, o clima é tenso. Os sem-terra tomaram a casa-sede, escritórios e instalações, e usaram tratores da empresa para destruir cerca de 7 mil pés de laranja, segundo a Polícia Militar.
A ação foi filmada com o uso de um helicóptero. Imagens do vandalismo revoltaram o comandante do 4º Batalhão da PM de Bauru, tenente-coronel Benedito Meira. "É destruição pura e simples", disse.
As cinco famílias de colonos foram expulsas e as casas, invadidas. Eles não tiveram tempo para retirar seus pertences. Os imóveis foram pichados. O MST mantém militantes no portão e controla o acesso. Não há policiamento e os funcionários estão sendo impedidos de entrar na área para fazer os tratos culturais, colher laranja e irrigar as plantas. Há risco de perda total dos pomares, com 1 milhão de pés.
A Cutrale conseguiu na justiça de Lençóis Paulista uma liminar de reintegração de posse para desocupação em 24 horas, sob pena de despejo forçado e pagamento de multa diária de R$ 500 por invasor. Advogados dos sem-terra pediram a transferência da ação à Justiça Federal, mas, nesta terça, o juiz Mário Ramos dos Santos manteve o despejo.
PM prepara reintegração
A PM de Bauru prepara a operação, mas os sem-terra prometem resistir à desocupação. De acordo com Santos, as terras foram consideradas patrimônio da União em decisão da Justiça Federal de Ourinhos. "Ao invés de entregar a fazenda, a Cutrale entrou com recurso, por isso decidimos botar pressão."
Ele negou os saques. "Não é do feitio do MST, nossa ação é de reivindicação." De acordo com Márcio Santos, da coordenação estadual do MST Santos, os sem-terra arrancaram apenas três hectares (30 mil metros quadrados) de laranja para plantar feijão e arroz. "Trocamos a laranja, que vai para o exterior, por alimento para os acampados." A área destruída, afirmou, é insignificante ante mais de 2 mil hectares plantados com laranja. "Não somos nós os vilões e sim a empresa, que usa indevidamente uma área pública."
O Instituto Nacional de Colonização e Reforma Agrária (Incra) informou que a área faz parte do núcleo Monção, adquirido por sentença judicial de 1909 pela União e, posteriormente, grilada por terceiros. Em 2006, o Incra entrou com ação reivindicatória, mas o processo ainda não teve decisão final.
A Cutrale informou que tem a posse legítima das terras e que a fazenda é produtiva, gerando cerca de 300 empregos com carteira registrada. "Muitos deles são assentados do próprio movimento", disse Carlos Otero, gerente de relações institucionais da empresa. A Cutrale espera a reintegração para calcular os prejuízos da invasão. A mesma área já foi invadida pelo MST durante o "abril vermelho" de 2008. Naquela ocasião, os sem-terra atenderam a ordem judicial de desocupação.
Fonte Estado de Sao Paulo
Um caminhão-baú transportando 12 caixas de laranja a granel, máquinas, ferramentas e uniformes subtraídos da fazenda foi apreendido na madrugada desta terça-feira, 6, no km 248 da rodovia Castelo Branco, em Avaré. Os dois acusados, José Alves de Lima Neto, de 52 anos, e Ivanildo Cosmo de Oliveira, de 49, contaram ao delegado José Cardoso de Oliveira que pegaram as frutas porque iam apodrecer. Eles foram presos em flagrante por furto qualificado.
Na fazenda, onde 350 militantes permanecem acampados, o clima é tenso. Os sem-terra tomaram a casa-sede, escritórios e instalações, e usaram tratores da empresa para destruir cerca de 7 mil pés de laranja, segundo a Polícia Militar.
A ação foi filmada com o uso de um helicóptero. Imagens do vandalismo revoltaram o comandante do 4º Batalhão da PM de Bauru, tenente-coronel Benedito Meira. "É destruição pura e simples", disse.
As cinco famílias de colonos foram expulsas e as casas, invadidas. Eles não tiveram tempo para retirar seus pertences. Os imóveis foram pichados. O MST mantém militantes no portão e controla o acesso. Não há policiamento e os funcionários estão sendo impedidos de entrar na área para fazer os tratos culturais, colher laranja e irrigar as plantas. Há risco de perda total dos pomares, com 1 milhão de pés.
A Cutrale conseguiu na justiça de Lençóis Paulista uma liminar de reintegração de posse para desocupação em 24 horas, sob pena de despejo forçado e pagamento de multa diária de R$ 500 por invasor. Advogados dos sem-terra pediram a transferência da ação à Justiça Federal, mas, nesta terça, o juiz Mário Ramos dos Santos manteve o despejo.
PM prepara reintegração
A PM de Bauru prepara a operação, mas os sem-terra prometem resistir à desocupação. De acordo com Santos, as terras foram consideradas patrimônio da União em decisão da Justiça Federal de Ourinhos. "Ao invés de entregar a fazenda, a Cutrale entrou com recurso, por isso decidimos botar pressão."
Ele negou os saques. "Não é do feitio do MST, nossa ação é de reivindicação." De acordo com Márcio Santos, da coordenação estadual do MST Santos, os sem-terra arrancaram apenas três hectares (30 mil metros quadrados) de laranja para plantar feijão e arroz. "Trocamos a laranja, que vai para o exterior, por alimento para os acampados." A área destruída, afirmou, é insignificante ante mais de 2 mil hectares plantados com laranja. "Não somos nós os vilões e sim a empresa, que usa indevidamente uma área pública."
O Instituto Nacional de Colonização e Reforma Agrária (Incra) informou que a área faz parte do núcleo Monção, adquirido por sentença judicial de 1909 pela União e, posteriormente, grilada por terceiros. Em 2006, o Incra entrou com ação reivindicatória, mas o processo ainda não teve decisão final.
A Cutrale informou que tem a posse legítima das terras e que a fazenda é produtiva, gerando cerca de 300 empregos com carteira registrada. "Muitos deles são assentados do próprio movimento", disse Carlos Otero, gerente de relações institucionais da empresa. A Cutrale espera a reintegração para calcular os prejuízos da invasão. A mesma área já foi invadida pelo MST durante o "abril vermelho" de 2008. Naquela ocasião, os sem-terra atenderam a ordem judicial de desocupação.
Fonte Estado de Sao Paulo
lunes, 5 de octubre de 2009
El joven Murillo
Murillo con un 'piercing' es el más joven Murillo.
José María Rondón | Sevilla
El Museo de Bellas Artes de Bilbao ha elegido esta provocativa propuesta como cartel anunciador de la exposición 'El joven Murillo', que reunirá a partir del 19 de octubre medio centenar de obras del periodo juvenil del pintor sevillano. La muestra, después de permanecer tres meses en la pinacoteca bilbaína, viajará al Bellas Artes de la capital hispalense, donde se podrá ver a partir del 18 de febrero de 2010.
El cartel, calificado como "arriesgado y muy divertido" por Benito Navarrete, comisario de la exposición junto a Alfonso E. Pérez Sánchez, utiliza un autorretrato de Bartolomé Esteban Murillo (Sevilla, 1617-1682) fechado en torno a 1650-1655, es decir, cuando el pintor contaba con poco más de 30 años. El lienzo, que se expondrá por primera vez en España, procede de una colección privada de Nueva York.
En este autorretrato, 'modificado' para el cartel anunciador con la inclusión de un 'piercing' en la ceja derecha del pintor, Murillo se representa en un óvalo junto a unas ruinas clásicas. "Murillo se pinta a sí mismo como un clásico, pese a su juventud", indica el profesor Benito Navarrete. Por todo ese simbolismo, esta excepcional obra abrirá la exposición.
La exposición 'El joven Murillo' reunirá medio centenar de obras del periodo juvenil de Murillo (entre 1640 y 1655), que había sido poco estudiada por los especialistas. La influencia estilística de Caravaggio y de la literatura picaresca del Siglo de Oro en la conciencia social del joven pintor son algunos de los rasgos presentes en el valioso conjunto que los dos comisarios han logrado reunir tras años de trabajo.
Más de la mitad de las obras procede de colecciones extranjeras y hay préstamos realmente excepcionales, como 'el Joven Mendigo' del Museo del Louvre, que llegará a Bilbao el próximo 13 de octubre. También el museo municipal de Lier (Bélgica) cederá 'La Virgen con el Niño', óleo recientemente atribuido al pintor sevillano.
También el museo Fitzwilliam de Cambridge ha confirmado la cesión de 'La visión de Fray Lauterio', obra pintada hacia 1640 por Murillo y una de las obras maestras de esta pinacoteca británica. La Alte Pinakothek de Munich, la Galería Nacional de Irlanda, el Museo Nacional de Estocolmo y, por supuesto, el Prado, figuran entre los grandes museos que han prestado obras destacadas para la muestra.
Fuente El Mundo.es
O muro da Vergonha cairá outra vez, e outra ....
Más de mil piezas de 2,5 metros de altura caerán, de Potsdamer Platz a la Puerta de Brandeburgo, en el 20º aniversario de la caída del Muro de Berlín. Este muro simbólico y multicolor de aproximadamente dos kilómetros caerá durante media hora para celebrar el derrumbe de uno de los grandes símbolos de la Guerra Fría.
Los españoles Elisa Sánchez y Pablo Muñoz han participado este fin de semana en Berlín en la decoración de una de las mil piezas que integran este dominó gigante. "Yo me he inspirado en el amor, que es lo que ha hecho posible que los alemanes de uno y otro lado se hayan reencontrado", cuenta Elisa, una salmantina de 21 años, estudiante de biotecnología, que ha conseguido destacar entre las más de 300 personas que han participado en el concurso internacional de diseño organizado por una compañía aérea para decorar 10 de estas piezas. Entre los 16 ganadores de ocho diferentes países europeos también se encuentra Pablo Muñoz. "En mi diseño he querido reflejar la unificación de culturas", explica este alemán afincado desde hace seis años en Barcelona mientras mezcla colores en una paleta con rápidos movimientos de su pincel.
El artista alemán Hans Reusche, internacionalmente conocido como Nomad, también ha plasmado su creatividad e imaginación en este proyecto, como miembro del jurado y pintando con sus propias manos una pieza en la que se lee: "Imagina verde o amarillo". Nomad nos explica su mensaje: "Al otro lado del muro no había plátanos, y nadie podía llevarlos porque eran considerados fruta exótica. Sí había pepinos. Caído el muro, tú decides entre verde o amarillo".
El dominó gigante forma parte del proyecto 'Mauerreise', el 'viaje del muro', una iniciativa del Institut Goethe que comenzó el pasado mes de mayo y ha llevado algunas de estas grandes piezas hasta Corea, China, México, Chipre, Yemen, Israel y Palestina -que tienen su propio muro-, donde artistas locales han participado en su decoración antes de ser devueltas a Berlín. El objetivo simbólico es que el 9 de noviembre, en este 'Festivl de la Libertad', el acto en la capital alemana provoque un efecto dominó sobre los 'otros muros de la vergüenza', los que aún quedan en pie en aquellos lugares. Estas piezas se han exhibido este fin de semana en Berlín, ante la puerta de Brandeburgo, dentro de los actos conmemorativos de la reunificación alemana, que se celebra el 3 de octubre.
Fonte El Mundo
Los españoles Elisa Sánchez y Pablo Muñoz han participado este fin de semana en Berlín en la decoración de una de las mil piezas que integran este dominó gigante. "Yo me he inspirado en el amor, que es lo que ha hecho posible que los alemanes de uno y otro lado se hayan reencontrado", cuenta Elisa, una salmantina de 21 años, estudiante de biotecnología, que ha conseguido destacar entre las más de 300 personas que han participado en el concurso internacional de diseño organizado por una compañía aérea para decorar 10 de estas piezas. Entre los 16 ganadores de ocho diferentes países europeos también se encuentra Pablo Muñoz. "En mi diseño he querido reflejar la unificación de culturas", explica este alemán afincado desde hace seis años en Barcelona mientras mezcla colores en una paleta con rápidos movimientos de su pincel.
El artista alemán Hans Reusche, internacionalmente conocido como Nomad, también ha plasmado su creatividad e imaginación en este proyecto, como miembro del jurado y pintando con sus propias manos una pieza en la que se lee: "Imagina verde o amarillo". Nomad nos explica su mensaje: "Al otro lado del muro no había plátanos, y nadie podía llevarlos porque eran considerados fruta exótica. Sí había pepinos. Caído el muro, tú decides entre verde o amarillo".
El dominó gigante forma parte del proyecto 'Mauerreise', el 'viaje del muro', una iniciativa del Institut Goethe que comenzó el pasado mes de mayo y ha llevado algunas de estas grandes piezas hasta Corea, China, México, Chipre, Yemen, Israel y Palestina -que tienen su propio muro-, donde artistas locales han participado en su decoración antes de ser devueltas a Berlín. El objetivo simbólico es que el 9 de noviembre, en este 'Festivl de la Libertad', el acto en la capital alemana provoque un efecto dominó sobre los 'otros muros de la vergüenza', los que aún quedan en pie en aquellos lugares. Estas piezas se han exhibido este fin de semana en Berlín, ante la puerta de Brandeburgo, dentro de los actos conmemorativos de la reunificación alemana, que se celebra el 3 de octubre.
Fonte El Mundo
De pedofilia e.....
O pedófilo é artista
LISBOA - Deve um homem de 77 anos pagar por um crime cometido há três décadas? Depende do crime. Se falamos de furto ligeiro ou abuso de liberdade de expressão, não existe uma única alma compassiva que não encolha os ombros e mande o sujeito em paz. A velhice, por vezes, já é castigo que baste.
Mas o cenário muda radicalmente quando o homem em questão drogou e violou (vaginal e analmente) uma jovem de 13 anos. Aqui, o meu coração estremece. E as dúvidas, confesso, transformam-se em pó. Não que seja um púdico nessas matérias: posso entender que um adulto se sinta atraído por uma menor, desde que a "menor" em causa demonstre um grau de maturidade sexual e emocional que relativize a questão etária. Mas uma violação é uma violação é uma violação.
O auditório talvez concorde comigo. Mas o mesmo auditório sente dúvidas quando trocamos a expressão "homem de 77 anos" pelo nome "Roman Polanski".
Duas semanas atrás, o famoso diretor polonês foi preso na Suíça e agora corre o risco de ser extraditado para os Estados Unidos. Motivo conhecido: em 1977, na casa do amigo Jack Nicholson, em Los Angeles, Polanski, então com 44, drogou e violou Samantha Gailey, então com 13. Levado a tribunal, e após acordo entre as partes, a acusação abandonou o crime de violação e ficou-se por relações sexuais com uma menor. Polanski aceitou o negócio, confessou o crime e, depois da confissão, fugiu dos Estados Unidos. Nunca mais lá voltou. E agora?
Agora, políticos de toda a Europa e a elite cinematográfica de Hollywood clamam pela libertação de Polanski. Argumentos? Vários. Uns dizem que Polanski já cumpriu a sua pena, ao ser forçado ao "exílio na Europa" durante 30 anos. Outros evocam o passado trágico do homem: a família que pereceu no Holocausto; a sua condição de sobrevivente ao genocídio nazista; o brutal homicídio da mulher, a modelo Sharon Tate, às mãos da quadrilha Manson. E todos relembram que a própria "vítima" já perdoou a Polanski.
Não vale a pena perder tempo com nenhum destes argumentos: o "exílio na Europa" (como se a Europa fosse o Ruanda e Polanski tivesse nascido em Marte); um passado de tragédias pessoais; e até o perdão de Samantha Gailey não alteram a natureza do crime, que nenhuma sociedade civilizada pode ignorar.
Os argumentos em defesa de Polanski servem apenas para iludir, de forma hipócrita, uma verdade essencial: ninguém defenderia Roman Polanski se ele não fosse um "artista". No fundo, ninguém defenderia Polanski se não persistisse entre nós a ideia romântica (no sentido próprio do termo) de que os "artistas" não se submetem ao mesmo código ético e legal que regula a humanidade inteira. Pelo contrário: os "artistas" criam a sua própria moral e, no limite, serão julgados por ela.
Defender Roman Polanski apenas porque ele é Roman Polanski é dizer, implícita e perversamente, que a pedofilia é tolerável desde que o pedófilo dirija filmes
Fonte Folha de Sao Paulo
domingo, 4 de octubre de 2009
As mil faces de Eros 3
'La encantadora de serpientes' (1907), de Henri Rousseau.- RMN / H. LEWNDOWSKI
Fuente El País
As mil faces de Eros 2
'A sea-nymph' (1881), óleo de Edward Burne-Jones.- CURTIS GALLERIES
Fuente El País
Los mil rostros del erotismo
Los mil rostros del erotismo
JULIA LUZÁN 04/10/2009
Desde siempre, los artistas han reflejado las inquietudes eróticas en sus obras. Deseo, sexualidad, perversión. de venus a david beckham. Los mitos eternos se dan cita en una rompedora exposición en el Museo Thyssen.
Un tesoro de mujeres excepcionales nos ha legado la cultura griega. El dolor, la fidelidad, la justicia, la alegría, la belleza, la amistad, la bondad, llenan las páginas de la épica o la tragedia y a las que “no muerde el diente envidioso del tiempo”. Esos sentimientos ideales los encarnan personajes femeninos que han llegado vivos hasta nuestros días como Ifigenia, Helena, Creusa, Calipso, Fedra, Danae, Antígona, Penélope, Electra, Nausicaa, Dafne, Casandra.
Orgasmos, éxtasis y mitos eróticos conviven en el arte
Ver la figura dormida de Beckham es ‘voyeurismo”
“El mito erótico procede del agua y vuelve siempre a ella”
Pero entre estas maravillosas mujeres aparece una genial desconocida de la que sólo sabemos su existencia por El banquete, de Platón, esa obra maestra sobre el amor. Su nombre es Diotima, “la extranjera de Mantinea”, que destaca entre todos los personajes femeninos que pueblan este fabuloso universo, este Partenón ideal. De Antígona, Nausicaa, Helena, sabemos sus historias, lo que hicieron y padecieron. A Diotima la cerca un gran silencio. Sólo muchos siglos después aparece una Diotima luminosa y amorosa en el Hiperion de Hölderlin. Ninguna otra referencia encontramos en la literatura griega, y se supone que, como la Dulcinea cervantina, fue ese nombre “músico y peregrino” también un invento de Platón.
Es sorprendente que en boca de esa misteriosa mujer aparezca la primera interpretación y teoría del Eros. El dios del amor llena con sus hazañas toda la literatura griega, pero es precisamente en El banquete, en el que varios hombres intentan definir el origen y sentido del Eros, donde brilla el discurso y la interpretación de la clarividente mujer.
En el diálogo platónico hay, como es sabido, varios discursos explicando el fenómeno amoroso. Por ejemplo, el de Aristófanes donde se cuenta la historia de una naturaleza humana hecha de extraños seres con cuatro brazos, cuatro piernas, dos órganos sexuales y dos rostros. A esos seres redondos de extraordinaria fuerza e inteligencia, los dioses, por temor a su poder, los partieron en dos. Tal fractura es la razón de que esos seres rotos anden continuamente buscando la mitad perdida. La característica esencial de la vida será, pues, esa sustancial insuficiencia. No somos autárquicos: necesitamos del mundo que nos rodea y de los otros seres que nos acompañan en el camino. Una necesidad que se manifiesta en el amor como expresión de la natural pobreza. Lo mismo que las palabras nos hacen animales distintos de los otros mamíferos y nos posibilitan la mutua comunicación y comprensión a través del universo ideal del lenguaje, el amor nos empuja a otra forma de identificación a través de los múltiples reclamos del bien y la belleza en el cálido universo afectivo de los sentimientos.
diotima, “que me enseñó las cosas del eros”, según recuerda Sócrates, añade varios matices fundamentales a todo lo que han dicho quienes hablaron antes que ella. La extranjera de Mantinea cuenta, además, el origen de este dios o daimon que “no es ni bello ni feo, ni bueno ni malo”, sino algo intermedio –metaxy– entre los dioses y los humanos. Y precisamente en ese carácter de mediador radica la fuerza de Eros, que levanta en los mortales un impulso hacia la hermosura, hacia el bien, hacia la sabiduría. Los dioses no filosofan, “porque ya tienen el saber”. Tampoco, refiere Diotima, filosofan los ignorantes, porque la ignorancia en la que están sumidos les impide añorar el saber que se hace presente como filosofía, como forma incesante de amor, de tendencia y apego al verdadero conocimiento de la naturaleza que somos, de la naturaleza en la que estamos. La ignorancia es el castigo supremo de los hombres, y su reino es el de la oscuridad. Sólo el Eros, como divinidad mediadora, como comunicador de ideas, como alumbrador de miradas y sentimientos, quiere salir de la ignorancia levantando esa inagotable fuente de deseo que embellece e ilumina, a pesar de tantas limitaciones, nuestra siempre admirable condición carnal.
El carácter de mediador lo debe Eros a su propio origen: cuando nació Afrodita, los dioses celebraron también un banquete. Allí llegó a mendigar Penía, la pobreza. Poros, el hijo de Metis, diosa de la prudencia, del saber y de la astucia, “entró embriagado en el jardín de Zeus y se durmió”. Penía, ansiosa por salir de su miseria, se acostó junto a Poros y engendró a Eros con él.
esta tensión continua, esta búsqueda de unión y de compañía, esta lucha entre la pobreza y la riqueza, entre la muerte y la pervivencia, arranca del supuesto desequilibrio en el nacimiento de Eros. Como hijo de la pobreza, está lleno de necesidades, “vive al borde de los caminos” y anda siempre, en su desamparo, buscando cobijo; mas por parte de su padre “está al acecho de lo bello y de lo bueno y es ávido de sabiduría”. Un seguidor eterno de aquello a lo que aspira. Esa búsqueda es, precisamente, lo que da sentido al vivir. La tensión amorosa engaña a los seres humanos haciéndoles creer que va a ser definitivamente suyo aquello a lo que aspiran. Un engaño que, paradójicamente, da aliento y felicidad, porque aunque la indigencia se mantenga a lo largo de cada tiempo, esa insistencia del deseo en el pervivir es una forma memoriosa de dicha.
El Eros nos hace salir de nosotros mismos, nos arranca de la soledad y nos inserta en un mundo distinto y perenne donde la efímera individualidad se alza hasta la verdad y la belleza “con lo que todo bueno está emparentado”. Ese ascenso es una muestra de cómo en el desvelo amoroso, sometido a la propia estructura corporal, brota la esperanza que es, en el río del amor y la memoria, la forma humana de eternidad. Todo lo otro que ha montado el gran engaño de la ignorancia es pura miseria y, en el peor de los casos, pura perversión lastimosa del inabarcable territorio del amor. “En él sí que merece la pena vivir”, dijo la mujer de Mantinea. P
uando Picasso se apeó del tren en la estación D’Orsay, en París, un 25 de octubre de 1900, el “ángel y demonio”, como lo describía su madre, ni se imaginaba lo que llegaría a escandalizar al mundo con sus obras francamente sexuales, sin tapujos. Exploraba la mentalidad primitiva y pintaba como hacía el amor, sin freno. “Un cuadro es una suma de destrucciones”, diría. Cuando los años frenaron su vigor, hizo del Minotauro el objetivo sexual de su obra. Se convirtió en un voyeur que dibujaba vaginas en primer plano, mosqueteros a un lado, y a él, el lascivo pintor, mirando con placer aquellos éxtasis sexuales. Como Picasso, otros muchos artistas han reflejado las inquietudes eróticas en sus obras, las realidades ocultas que dominaban los “inframundos”, según Freud. Porque no se trataba de “esculpir cadáveres”, como decía Brancusi. Y esa carnalidad fue lo que reflejó Manet en un gran óleo, Olympia (1865), una mujer de la vida alardeando de su poderío. El siglo XIX se despedía en Francia con algo parecido a la fiebre del destape que barrió España en los ochenta, tras la muerte del general Franco.
Georges Bataille, el escritor que se codeaba con Sartre, Malraux o Beauvoir, canalizó más tarde, en los años en que París se lamía las heridas de la II Guerra Mundial, aquellos sentimientos en un libro, Las lágrimas de Eros, una digresión acerca del amor y la muerte: “Un primer paso de abrir la conciencia a la identidad del orgasmo –la petite mort (la pequeña muerte)– y de la muerte definitiva”.
Guillermo Solana (Madrid, 1960), director artístico del Thyssen-Bornemisza, ha tirado de ese pequeño hilo que separa el placer del dolor –“un tema que me interesaba desde hace años”– y ha comisariado la exposición que inaugura la temporada en el museo. Ha tomado prestado el título de Bataille para mostrar, a través de 120 obras, entre pinturas, esculturas, fotografías y vídeos, todas las perversiones, fetichismos y transgresiones sexuales que idean nuestras mentes. Solana celebra su cuarto año al frente del Thyssen “con algo más innovador que lo que he hecho hasta ahora. También más arriesgado, porque puede no gustarle nada a la gente, pero me interesa provocar un debate”.
Las lágrimas de Eros será una de las grandes exposiciones de la temporada. Desde su anuncio, el blog del museo se ha ido llenando de comentarios expectantes. “Será una muestra imaginativa, muy posmoderna, en el sentido de que todo va a convivir con todo, pintura antigua, del XIX, fotografía contemporánea, escultura, vídeo. Teníamos una deuda pendiente con la creación contemporánea, y ésta es una manera de dialogar con el pasado”.
El pintor Antonio Saura (Huesca, 1930-Cuenca, 1998) hablaba a finales de los años noventa, en su ensayo La belleza obscena, de cómo en las artes plásticas ha existido siempre el desnudo, pero, al contrario que en las pinturas orientales, en Occidente nunca se reflejaba la copulación ni el deseo. Los pretextos mitológicos y religiosos mantuvieron apartada la contemplación libidinosa de obras con fuerte carga erótica. Estaban ahí, pero nadie se daba por enterado. Las obras se colgaban en los museos muy altas o se escondían en salas oscuras. Por ejemplo, de 1827 a 1838, las salas del Prado donde se exhibían figuras de desnudos tenían el acceso restringido. En Londres, una sufragista inglesa acuchilló la Venus del espejo, de Velázquez, incapaz de soportar tanta belleza, y no hace mucho, en marzo de 2008, el cartel de una exposición sobre Cranach en la Royal Academy de Londres que mostraba una Venus cubierta sólo por un velo transparente fue vetado en el metro de Londres por impúdico.
Guillermo Solana ha dividido Las lágrimas de Eros en 12 apartados que van desde la tentación hasta el sacrificio, la aniquilación y la muerte. “He tratado de construir una docena de historias, unas de origen pagano clásico, otras de origen bíblico. Construir una especie de itinerario casi narrativo, desde la tentación, la idea del pecado o de culpa a través de la transgresión. No es sólo una muestra de desnudos y no es una exposición muy explícita por varias razones. Porque ésta es una casa conservadora y he ido todo lo lejos que se podía ir, y porque aunque el Patronato del Thyssen no lo viera mal, el público podría quedarse noqueado”.
Asegura Solana que su intención no ha sido la de epatar, sino hacer una exposición amable, apta para menores y personas sensibles. La perversidad que sugieren a veces las imágenes necesita una reflexión que sólo puede captar una mente adulta. Las fotografías de niñas de Lewis Carroll, el autor de Alicia en el país de las maravillas, hoy habrían sido consideradas como surgidas de una mente enferma. “La muestra pueden venir a verla los padres con sus niños, no se van a sentir escandalizados . Ya hay suficiente grado de erotización en los medios visuales. Los anuncios de Dolce & Gabbana o de Calvin Klein, por ejemplo, son mucho más audaces que lo que nosotros expondremos”.
En la muestra se expondrán obras de Bronzino, Reni, Ribera, Giordano, Rubens, Toulouse-Lautrec, Cézanne, Gauguin, Rousseau, Moreau, Corot, Courbet, Munch, Man Ray, Dalí, Magritte, Warhol, Saura; fotógrafos como James White, Mapplethorpe, Nam Goldin o Avedon, entre otros, además de dos importantes grabados de una de las últimas series de Picasso que muestran el tema del voyeurismo que cultivó el artista malagueño en su senilidad sexual.
La Olympia de Manet despertó el erotismo en Francia, levantó la veda. Reinterpretó un mito clásico, el de Venus convertida en una mujer con el oficio más viejo del mundo. Dice Solana que esa audacia que tuvo Manet de poner el mito erótico al alcance de todos está en el fondo de Las lágrimas de Eros. “El XIX es, en cierto modo, la base de la exposición. En este siglo, el arte interpretó los mitos con perversión, quizá porque las costumbres, los usos sociales, estaban más reprimidos. Las interpretaciones homo-eróticas y sado-masoquistas más fuertes de la figura de San Sebastián proceden del periodo victoriano, y las representaciones de la figura de Andrómeda encadenada en las que se muestra como una figura de bondage [dominación y sado-masoquismo] son igualmente de ese mismo periodo”.
Cada capítulo de la exposición está dedicado a un mito: el nacimiento de Venus, por ejemplo, abre la primera sala con una imagen bellísima pintada por Amaury-Duval en 1862. Es el mito de Afrodita nacida cuando Cronos, el padre de Urano, cortó a su hijo los genitales, que cayeron al mar, y de aquel esperma, la espuma del mar, nació Venus. Están también presentes los temas de Eva y la serpiente, las esfinges y sirenas, las tentaciones de San Antonio, el martirio de San Sebastián, Andrómeda encadenada, el beso, Apolo y Jacinto, el sueño de Endimión, Cleopatra o la agonía voluptuosa, Magdalena penitente y cazadores de cabezas. “Aparte hay un hilo conductor, no explícito, que unifica visualmente la exposición. Las olas, el agua, son un símbolo erótico que recorre todo, desde el principio hasta el fin. El erotismo viene del agua y vuelve al agua”.
El montaje de Las lágrimas de Eros es arriesgado. Solana ha querido que en cada sala se expongan juntas obras barrocas o renacentistas con otras contemporáneas. “Deseo que la gente vea a los artistas de ahora poniéndolos en un contexto clásico. Porque Eros y Tánatos siempre vuelven al arte. Será una exposición transparente para que el público, de una ojeada, se dé cuenta inmediatamente de qué va. Es una exposición popular, no erudita, sino de cosas que todo el mundo conoce aunque sea intuitivamente”.
La imagen del jugador de fútbol David Beckham es un ejemplo de los que afirma el comisario de la muestra, el contacto entre el mundo real y el clásico. Beckham aparece dormido en un vídeo de la artista británica Sam Taylor-Wood. “Me sedujo la idea de una mirada de mujer, como la de Diana que le pide a Zeus que le dé el sueño eterno a Endimión para poder contemplarlo siempre. Ese voyeurismo femenino me pareció que entroncaba perfectamente con lo que yo quería. Hay varias celebrities en la exposición, y no es por el deseo de atraer a la gente, sino porque creo que los famosos actúan como los mitos clásicos. Los grandes sex symbols tienen para nosotros el poder que para los antiguos tenía la figura de Afrodita, y no es casualidad que artistas contemporáneos, como el escultor británico Marc Quinn, realice una Venus con los rasgos de Kate Moss. En esa línea están las Evas de James Wait y Avedon que eligen cuerpos reconocibles, como el de Rachel Weisz o Nastassja Kinski”.
Las imágenes de Andrómeda o de san Sebastián aparecen en el arte desde la antigüedad, pero en el Renacimiento se transforman, desprenden pasión, erotismo. La Contrarreforma intentó reprimir la voluptuosidad que desprendían las figuras de los santos sin éxito. Vasari, el historiador del arte del Renacimiento, cuenta cómo un san Sebastián pintado por Fra Bartolomeo para el convento de San Marcos, en Florencia, turbaba tanto a las señoras con pensamientos impuros que los monjes cortaron por lo sano y descolgaron la obra. Idéntica inquietud sexual recorría las Magdalenas de Tiziano, o de Lucas Giordano, o la de santa Teresa esculpida por Bernini, de la que Des Brosses, un noble francés del siglo XVII, afirmó: “Si esto es el amor divino, yo lo conozco bien”. “En la exposición. dice Solana, mostramos un san Sebastián de Bernini muy voluptuoso. Es una pieza que estuvo en el Thyssen durante años y que pertenece a uno de los hijos del barón. Hemos conseguido que regrese y se quedará en depósito en el museo”.
Fetichismo, exhibicionismo y una cierta dosis de provocación conviven en la exposición, aunque, como señala Solana, “a estas alturas ya no provoca nada el hecho de combinar en términos de igualdad la mirada heterosexual y homosexual. Todo está en el gran Arte, no me lo he inventado yo. Por ejemplo, muchos se asombran cuando explico a los visitantes de la colección del Thyssen que el Jacinto de Tiépolo que tenemos es una pintura gay hecha en el siglo XVIII. Todo está en la mitología primero y luego en la pintura clásica. Pero nos hemos acostumbrado a apartar la vista, a no darnos cuenta”. Y cuenta algo sorprendente: “En el vestíbulo del museo hay un mármol de Rodin que representa a una Magdalena desnuda abrazando a Cristo crucificado. Es una de las primeras piezas de la colección encargada por el barón August Thyssen, el patriarca de la familia, al propio Rodin. Esa obra no se exhibió en ninguna parte por su contenido blasfemo. Y nadie de los millones de visitantes del museo ha protestado ni hecho la más mínima observación. ¿Por qué? Porque es de Rodin. Si mostráramos una foto con esas mismas características, sería irreverente. El gran Arte ha disfrutado del privilegio de hacer que la violencia más monstruosa o el erotismo más explícito fuera admisible”.
Y por si alguien no quiere ver en una exposición lo que su imaginación desea, en otras salas del Thyssen se expondrá al mismo tiempo la obra de Fantin Latour, “así que a quien no le guste Eros se puede refugiar en la otra”, dice Solana.
‘Las lágrimas de Eros’ podrá verse en el Museo Thyssen-Bornemisza y la Fundación Caja Madrid del 20 de octubre al 21 de enero de 2010.
Fuente El Pais Semanal
JULIA LUZÁN 04/10/2009
Desde siempre, los artistas han reflejado las inquietudes eróticas en sus obras. Deseo, sexualidad, perversión. de venus a david beckham. Los mitos eternos se dan cita en una rompedora exposición en el Museo Thyssen.
Un tesoro de mujeres excepcionales nos ha legado la cultura griega. El dolor, la fidelidad, la justicia, la alegría, la belleza, la amistad, la bondad, llenan las páginas de la épica o la tragedia y a las que “no muerde el diente envidioso del tiempo”. Esos sentimientos ideales los encarnan personajes femeninos que han llegado vivos hasta nuestros días como Ifigenia, Helena, Creusa, Calipso, Fedra, Danae, Antígona, Penélope, Electra, Nausicaa, Dafne, Casandra.
Orgasmos, éxtasis y mitos eróticos conviven en el arte
Ver la figura dormida de Beckham es ‘voyeurismo”
“El mito erótico procede del agua y vuelve siempre a ella”
Pero entre estas maravillosas mujeres aparece una genial desconocida de la que sólo sabemos su existencia por El banquete, de Platón, esa obra maestra sobre el amor. Su nombre es Diotima, “la extranjera de Mantinea”, que destaca entre todos los personajes femeninos que pueblan este fabuloso universo, este Partenón ideal. De Antígona, Nausicaa, Helena, sabemos sus historias, lo que hicieron y padecieron. A Diotima la cerca un gran silencio. Sólo muchos siglos después aparece una Diotima luminosa y amorosa en el Hiperion de Hölderlin. Ninguna otra referencia encontramos en la literatura griega, y se supone que, como la Dulcinea cervantina, fue ese nombre “músico y peregrino” también un invento de Platón.
Es sorprendente que en boca de esa misteriosa mujer aparezca la primera interpretación y teoría del Eros. El dios del amor llena con sus hazañas toda la literatura griega, pero es precisamente en El banquete, en el que varios hombres intentan definir el origen y sentido del Eros, donde brilla el discurso y la interpretación de la clarividente mujer.
En el diálogo platónico hay, como es sabido, varios discursos explicando el fenómeno amoroso. Por ejemplo, el de Aristófanes donde se cuenta la historia de una naturaleza humana hecha de extraños seres con cuatro brazos, cuatro piernas, dos órganos sexuales y dos rostros. A esos seres redondos de extraordinaria fuerza e inteligencia, los dioses, por temor a su poder, los partieron en dos. Tal fractura es la razón de que esos seres rotos anden continuamente buscando la mitad perdida. La característica esencial de la vida será, pues, esa sustancial insuficiencia. No somos autárquicos: necesitamos del mundo que nos rodea y de los otros seres que nos acompañan en el camino. Una necesidad que se manifiesta en el amor como expresión de la natural pobreza. Lo mismo que las palabras nos hacen animales distintos de los otros mamíferos y nos posibilitan la mutua comunicación y comprensión a través del universo ideal del lenguaje, el amor nos empuja a otra forma de identificación a través de los múltiples reclamos del bien y la belleza en el cálido universo afectivo de los sentimientos.
diotima, “que me enseñó las cosas del eros”, según recuerda Sócrates, añade varios matices fundamentales a todo lo que han dicho quienes hablaron antes que ella. La extranjera de Mantinea cuenta, además, el origen de este dios o daimon que “no es ni bello ni feo, ni bueno ni malo”, sino algo intermedio –metaxy– entre los dioses y los humanos. Y precisamente en ese carácter de mediador radica la fuerza de Eros, que levanta en los mortales un impulso hacia la hermosura, hacia el bien, hacia la sabiduría. Los dioses no filosofan, “porque ya tienen el saber”. Tampoco, refiere Diotima, filosofan los ignorantes, porque la ignorancia en la que están sumidos les impide añorar el saber que se hace presente como filosofía, como forma incesante de amor, de tendencia y apego al verdadero conocimiento de la naturaleza que somos, de la naturaleza en la que estamos. La ignorancia es el castigo supremo de los hombres, y su reino es el de la oscuridad. Sólo el Eros, como divinidad mediadora, como comunicador de ideas, como alumbrador de miradas y sentimientos, quiere salir de la ignorancia levantando esa inagotable fuente de deseo que embellece e ilumina, a pesar de tantas limitaciones, nuestra siempre admirable condición carnal.
El carácter de mediador lo debe Eros a su propio origen: cuando nació Afrodita, los dioses celebraron también un banquete. Allí llegó a mendigar Penía, la pobreza. Poros, el hijo de Metis, diosa de la prudencia, del saber y de la astucia, “entró embriagado en el jardín de Zeus y se durmió”. Penía, ansiosa por salir de su miseria, se acostó junto a Poros y engendró a Eros con él.
esta tensión continua, esta búsqueda de unión y de compañía, esta lucha entre la pobreza y la riqueza, entre la muerte y la pervivencia, arranca del supuesto desequilibrio en el nacimiento de Eros. Como hijo de la pobreza, está lleno de necesidades, “vive al borde de los caminos” y anda siempre, en su desamparo, buscando cobijo; mas por parte de su padre “está al acecho de lo bello y de lo bueno y es ávido de sabiduría”. Un seguidor eterno de aquello a lo que aspira. Esa búsqueda es, precisamente, lo que da sentido al vivir. La tensión amorosa engaña a los seres humanos haciéndoles creer que va a ser definitivamente suyo aquello a lo que aspiran. Un engaño que, paradójicamente, da aliento y felicidad, porque aunque la indigencia se mantenga a lo largo de cada tiempo, esa insistencia del deseo en el pervivir es una forma memoriosa de dicha.
El Eros nos hace salir de nosotros mismos, nos arranca de la soledad y nos inserta en un mundo distinto y perenne donde la efímera individualidad se alza hasta la verdad y la belleza “con lo que todo bueno está emparentado”. Ese ascenso es una muestra de cómo en el desvelo amoroso, sometido a la propia estructura corporal, brota la esperanza que es, en el río del amor y la memoria, la forma humana de eternidad. Todo lo otro que ha montado el gran engaño de la ignorancia es pura miseria y, en el peor de los casos, pura perversión lastimosa del inabarcable territorio del amor. “En él sí que merece la pena vivir”, dijo la mujer de Mantinea. P
uando Picasso se apeó del tren en la estación D’Orsay, en París, un 25 de octubre de 1900, el “ángel y demonio”, como lo describía su madre, ni se imaginaba lo que llegaría a escandalizar al mundo con sus obras francamente sexuales, sin tapujos. Exploraba la mentalidad primitiva y pintaba como hacía el amor, sin freno. “Un cuadro es una suma de destrucciones”, diría. Cuando los años frenaron su vigor, hizo del Minotauro el objetivo sexual de su obra. Se convirtió en un voyeur que dibujaba vaginas en primer plano, mosqueteros a un lado, y a él, el lascivo pintor, mirando con placer aquellos éxtasis sexuales. Como Picasso, otros muchos artistas han reflejado las inquietudes eróticas en sus obras, las realidades ocultas que dominaban los “inframundos”, según Freud. Porque no se trataba de “esculpir cadáveres”, como decía Brancusi. Y esa carnalidad fue lo que reflejó Manet en un gran óleo, Olympia (1865), una mujer de la vida alardeando de su poderío. El siglo XIX se despedía en Francia con algo parecido a la fiebre del destape que barrió España en los ochenta, tras la muerte del general Franco.
Georges Bataille, el escritor que se codeaba con Sartre, Malraux o Beauvoir, canalizó más tarde, en los años en que París se lamía las heridas de la II Guerra Mundial, aquellos sentimientos en un libro, Las lágrimas de Eros, una digresión acerca del amor y la muerte: “Un primer paso de abrir la conciencia a la identidad del orgasmo –la petite mort (la pequeña muerte)– y de la muerte definitiva”.
Guillermo Solana (Madrid, 1960), director artístico del Thyssen-Bornemisza, ha tirado de ese pequeño hilo que separa el placer del dolor –“un tema que me interesaba desde hace años”– y ha comisariado la exposición que inaugura la temporada en el museo. Ha tomado prestado el título de Bataille para mostrar, a través de 120 obras, entre pinturas, esculturas, fotografías y vídeos, todas las perversiones, fetichismos y transgresiones sexuales que idean nuestras mentes. Solana celebra su cuarto año al frente del Thyssen “con algo más innovador que lo que he hecho hasta ahora. También más arriesgado, porque puede no gustarle nada a la gente, pero me interesa provocar un debate”.
Las lágrimas de Eros será una de las grandes exposiciones de la temporada. Desde su anuncio, el blog del museo se ha ido llenando de comentarios expectantes. “Será una muestra imaginativa, muy posmoderna, en el sentido de que todo va a convivir con todo, pintura antigua, del XIX, fotografía contemporánea, escultura, vídeo. Teníamos una deuda pendiente con la creación contemporánea, y ésta es una manera de dialogar con el pasado”.
El pintor Antonio Saura (Huesca, 1930-Cuenca, 1998) hablaba a finales de los años noventa, en su ensayo La belleza obscena, de cómo en las artes plásticas ha existido siempre el desnudo, pero, al contrario que en las pinturas orientales, en Occidente nunca se reflejaba la copulación ni el deseo. Los pretextos mitológicos y religiosos mantuvieron apartada la contemplación libidinosa de obras con fuerte carga erótica. Estaban ahí, pero nadie se daba por enterado. Las obras se colgaban en los museos muy altas o se escondían en salas oscuras. Por ejemplo, de 1827 a 1838, las salas del Prado donde se exhibían figuras de desnudos tenían el acceso restringido. En Londres, una sufragista inglesa acuchilló la Venus del espejo, de Velázquez, incapaz de soportar tanta belleza, y no hace mucho, en marzo de 2008, el cartel de una exposición sobre Cranach en la Royal Academy de Londres que mostraba una Venus cubierta sólo por un velo transparente fue vetado en el metro de Londres por impúdico.
Guillermo Solana ha dividido Las lágrimas de Eros en 12 apartados que van desde la tentación hasta el sacrificio, la aniquilación y la muerte. “He tratado de construir una docena de historias, unas de origen pagano clásico, otras de origen bíblico. Construir una especie de itinerario casi narrativo, desde la tentación, la idea del pecado o de culpa a través de la transgresión. No es sólo una muestra de desnudos y no es una exposición muy explícita por varias razones. Porque ésta es una casa conservadora y he ido todo lo lejos que se podía ir, y porque aunque el Patronato del Thyssen no lo viera mal, el público podría quedarse noqueado”.
Asegura Solana que su intención no ha sido la de epatar, sino hacer una exposición amable, apta para menores y personas sensibles. La perversidad que sugieren a veces las imágenes necesita una reflexión que sólo puede captar una mente adulta. Las fotografías de niñas de Lewis Carroll, el autor de Alicia en el país de las maravillas, hoy habrían sido consideradas como surgidas de una mente enferma. “La muestra pueden venir a verla los padres con sus niños, no se van a sentir escandalizados . Ya hay suficiente grado de erotización en los medios visuales. Los anuncios de Dolce & Gabbana o de Calvin Klein, por ejemplo, son mucho más audaces que lo que nosotros expondremos”.
En la muestra se expondrán obras de Bronzino, Reni, Ribera, Giordano, Rubens, Toulouse-Lautrec, Cézanne, Gauguin, Rousseau, Moreau, Corot, Courbet, Munch, Man Ray, Dalí, Magritte, Warhol, Saura; fotógrafos como James White, Mapplethorpe, Nam Goldin o Avedon, entre otros, además de dos importantes grabados de una de las últimas series de Picasso que muestran el tema del voyeurismo que cultivó el artista malagueño en su senilidad sexual.
La Olympia de Manet despertó el erotismo en Francia, levantó la veda. Reinterpretó un mito clásico, el de Venus convertida en una mujer con el oficio más viejo del mundo. Dice Solana que esa audacia que tuvo Manet de poner el mito erótico al alcance de todos está en el fondo de Las lágrimas de Eros. “El XIX es, en cierto modo, la base de la exposición. En este siglo, el arte interpretó los mitos con perversión, quizá porque las costumbres, los usos sociales, estaban más reprimidos. Las interpretaciones homo-eróticas y sado-masoquistas más fuertes de la figura de San Sebastián proceden del periodo victoriano, y las representaciones de la figura de Andrómeda encadenada en las que se muestra como una figura de bondage [dominación y sado-masoquismo] son igualmente de ese mismo periodo”.
Cada capítulo de la exposición está dedicado a un mito: el nacimiento de Venus, por ejemplo, abre la primera sala con una imagen bellísima pintada por Amaury-Duval en 1862. Es el mito de Afrodita nacida cuando Cronos, el padre de Urano, cortó a su hijo los genitales, que cayeron al mar, y de aquel esperma, la espuma del mar, nació Venus. Están también presentes los temas de Eva y la serpiente, las esfinges y sirenas, las tentaciones de San Antonio, el martirio de San Sebastián, Andrómeda encadenada, el beso, Apolo y Jacinto, el sueño de Endimión, Cleopatra o la agonía voluptuosa, Magdalena penitente y cazadores de cabezas. “Aparte hay un hilo conductor, no explícito, que unifica visualmente la exposición. Las olas, el agua, son un símbolo erótico que recorre todo, desde el principio hasta el fin. El erotismo viene del agua y vuelve al agua”.
El montaje de Las lágrimas de Eros es arriesgado. Solana ha querido que en cada sala se expongan juntas obras barrocas o renacentistas con otras contemporáneas. “Deseo que la gente vea a los artistas de ahora poniéndolos en un contexto clásico. Porque Eros y Tánatos siempre vuelven al arte. Será una exposición transparente para que el público, de una ojeada, se dé cuenta inmediatamente de qué va. Es una exposición popular, no erudita, sino de cosas que todo el mundo conoce aunque sea intuitivamente”.
La imagen del jugador de fútbol David Beckham es un ejemplo de los que afirma el comisario de la muestra, el contacto entre el mundo real y el clásico. Beckham aparece dormido en un vídeo de la artista británica Sam Taylor-Wood. “Me sedujo la idea de una mirada de mujer, como la de Diana que le pide a Zeus que le dé el sueño eterno a Endimión para poder contemplarlo siempre. Ese voyeurismo femenino me pareció que entroncaba perfectamente con lo que yo quería. Hay varias celebrities en la exposición, y no es por el deseo de atraer a la gente, sino porque creo que los famosos actúan como los mitos clásicos. Los grandes sex symbols tienen para nosotros el poder que para los antiguos tenía la figura de Afrodita, y no es casualidad que artistas contemporáneos, como el escultor británico Marc Quinn, realice una Venus con los rasgos de Kate Moss. En esa línea están las Evas de James Wait y Avedon que eligen cuerpos reconocibles, como el de Rachel Weisz o Nastassja Kinski”.
Las imágenes de Andrómeda o de san Sebastián aparecen en el arte desde la antigüedad, pero en el Renacimiento se transforman, desprenden pasión, erotismo. La Contrarreforma intentó reprimir la voluptuosidad que desprendían las figuras de los santos sin éxito. Vasari, el historiador del arte del Renacimiento, cuenta cómo un san Sebastián pintado por Fra Bartolomeo para el convento de San Marcos, en Florencia, turbaba tanto a las señoras con pensamientos impuros que los monjes cortaron por lo sano y descolgaron la obra. Idéntica inquietud sexual recorría las Magdalenas de Tiziano, o de Lucas Giordano, o la de santa Teresa esculpida por Bernini, de la que Des Brosses, un noble francés del siglo XVII, afirmó: “Si esto es el amor divino, yo lo conozco bien”. “En la exposición. dice Solana, mostramos un san Sebastián de Bernini muy voluptuoso. Es una pieza que estuvo en el Thyssen durante años y que pertenece a uno de los hijos del barón. Hemos conseguido que regrese y se quedará en depósito en el museo”.
Fetichismo, exhibicionismo y una cierta dosis de provocación conviven en la exposición, aunque, como señala Solana, “a estas alturas ya no provoca nada el hecho de combinar en términos de igualdad la mirada heterosexual y homosexual. Todo está en el gran Arte, no me lo he inventado yo. Por ejemplo, muchos se asombran cuando explico a los visitantes de la colección del Thyssen que el Jacinto de Tiépolo que tenemos es una pintura gay hecha en el siglo XVIII. Todo está en la mitología primero y luego en la pintura clásica. Pero nos hemos acostumbrado a apartar la vista, a no darnos cuenta”. Y cuenta algo sorprendente: “En el vestíbulo del museo hay un mármol de Rodin que representa a una Magdalena desnuda abrazando a Cristo crucificado. Es una de las primeras piezas de la colección encargada por el barón August Thyssen, el patriarca de la familia, al propio Rodin. Esa obra no se exhibió en ninguna parte por su contenido blasfemo. Y nadie de los millones de visitantes del museo ha protestado ni hecho la más mínima observación. ¿Por qué? Porque es de Rodin. Si mostráramos una foto con esas mismas características, sería irreverente. El gran Arte ha disfrutado del privilegio de hacer que la violencia más monstruosa o el erotismo más explícito fuera admisible”.
Y por si alguien no quiere ver en una exposición lo que su imaginación desea, en otras salas del Thyssen se expondrá al mismo tiempo la obra de Fantin Latour, “así que a quien no le guste Eros se puede refugiar en la otra”, dice Solana.
‘Las lágrimas de Eros’ podrá verse en el Museo Thyssen-Bornemisza y la Fundación Caja Madrid del 20 de octubre al 21 de enero de 2010.
Fuente El Pais Semanal
Advogando....
O Serviço de Estrangeiros e Fronteiras (SEF) tem recebido vários advogados sem autorização de residência no País a representarem brasileiros ilegais. Mas nada podem fazer. Todos eles têm carteira profissional.
Já não era a primeira vez que a advogada brasileira, com carteira profissional emitida pela Ordem dos Advogados (OA) portuguesa, comparecia na delegação do Serviço de Estrangeiros e Fronteiras (SEF) a representar cidadãos em situação irregular no País. Até que os inspectores decidiram averiguar se a própria advogada estaria legal. A descoberta foi surpreendente: a advogada não tem autorização de residência, mas isso nem é requisito para a obtenção da carteira.
O número de casos idênticos levou o SEF a enviar um ofício/alerta à OA. No documento - a que o DN teve acesso - o SEF dá conta que "nos últimos meses" e em "vários departamentos" têm verificado situações de advogados com carteira profissional, mas com a situação não regularizada em território nacional. Chegando ao "caricato" de existirem advogados em situação ilegal no País a representarem cidadãos que querem ver a sua situação regularizada.
"Qualquer cidadão estrangeiro fora do espaço Shengen que pretende exercer uma profissão em Portugal tem que ter uma autorização de residência ou um visto de trabalho", explica ao DN o presidente do Sindicato do SEF, Gonçalo Rodrigues, sem falar no caso concreto.
Contactado pelo DN, o presidente do Conselho Distrital da Ordem dos Advogados de Lisboa, Carlos Pinto de Abreu, disse desconhecer o documento. "Não fui informado de qualquer situação", declarou, remetendo mais esclarecimentos para o regulamento de acesso à profissão por estrangeiros. O documento prevê regimes de acesso diferentes a cidadãos da União Europeia, brasileiros e outros estrangeiros (ver caixa).
Já Pedro Raposo, à frente do Conselho de Deontologia, não vê qualquer lógica na situação. "A autorização para advogar ou o reconhecimento pode ser inquirido num âmbito pontual. Peço autorização, vou a tal país defender o meu cliente. O reconhecimento dado pela OA é um reconhecimento das capacidades. Agora neste caso concreto, não fará grande sentido. No entanto, cabe ao SEF acompanhar o caso. Porque a OA apenas certifica as capacidades".
Também o presidente do conselho distrital de Évora, Carlos Almeida, distingue entre o trabalho policial e o da OA. "Lembro-me de um caso de uma advogada que queria exercer em Portugal e que veio ao Conselho, mas eu exigi a autorização de residência", disse. No entanto, o regulamento de acesso à profissão por parte de advogados brasileiros exige apenas a morada de um escritório de advogados em Portugal. O vice-presidente do Conselho Geral da OA, Jerónimo Martins, confirmou a recepção do documento ao DN. "A situação está a ser avaliada", disse. O DN perguntou ao SEF (na quinta-feira) quantos casos foram detectados, mas não obteve resposta até ao fecho desta edição.
Fonte Diario de Noticias
Já não era a primeira vez que a advogada brasileira, com carteira profissional emitida pela Ordem dos Advogados (OA) portuguesa, comparecia na delegação do Serviço de Estrangeiros e Fronteiras (SEF) a representar cidadãos em situação irregular no País. Até que os inspectores decidiram averiguar se a própria advogada estaria legal. A descoberta foi surpreendente: a advogada não tem autorização de residência, mas isso nem é requisito para a obtenção da carteira.
O número de casos idênticos levou o SEF a enviar um ofício/alerta à OA. No documento - a que o DN teve acesso - o SEF dá conta que "nos últimos meses" e em "vários departamentos" têm verificado situações de advogados com carteira profissional, mas com a situação não regularizada em território nacional. Chegando ao "caricato" de existirem advogados em situação ilegal no País a representarem cidadãos que querem ver a sua situação regularizada.
"Qualquer cidadão estrangeiro fora do espaço Shengen que pretende exercer uma profissão em Portugal tem que ter uma autorização de residência ou um visto de trabalho", explica ao DN o presidente do Sindicato do SEF, Gonçalo Rodrigues, sem falar no caso concreto.
Contactado pelo DN, o presidente do Conselho Distrital da Ordem dos Advogados de Lisboa, Carlos Pinto de Abreu, disse desconhecer o documento. "Não fui informado de qualquer situação", declarou, remetendo mais esclarecimentos para o regulamento de acesso à profissão por estrangeiros. O documento prevê regimes de acesso diferentes a cidadãos da União Europeia, brasileiros e outros estrangeiros (ver caixa).
Já Pedro Raposo, à frente do Conselho de Deontologia, não vê qualquer lógica na situação. "A autorização para advogar ou o reconhecimento pode ser inquirido num âmbito pontual. Peço autorização, vou a tal país defender o meu cliente. O reconhecimento dado pela OA é um reconhecimento das capacidades. Agora neste caso concreto, não fará grande sentido. No entanto, cabe ao SEF acompanhar o caso. Porque a OA apenas certifica as capacidades".
Também o presidente do conselho distrital de Évora, Carlos Almeida, distingue entre o trabalho policial e o da OA. "Lembro-me de um caso de uma advogada que queria exercer em Portugal e que veio ao Conselho, mas eu exigi a autorização de residência", disse. No entanto, o regulamento de acesso à profissão por parte de advogados brasileiros exige apenas a morada de um escritório de advogados em Portugal. O vice-presidente do Conselho Geral da OA, Jerónimo Martins, confirmou a recepção do documento ao DN. "A situação está a ser avaliada", disse. O DN perguntou ao SEF (na quinta-feira) quantos casos foram detectados, mas não obteve resposta até ao fecho desta edição.
Fonte Diario de Noticias
Lágrima para LINDA
Moçambicana de 37 anos, funcionária da cantina da Cidade Universitária , era vítima de maus tratos . O amante acabou por matá-la na sexta-feira à noite.
Fonte DN
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